La moda en los medios

Genial post de Adriana Calvo sobre moda & periodismo!🙂

ideas condenadas-

Lo que actualmente denominamos moda, no se ha quedado en unos divertidos y extravagantes desfiles donde los diseñadores puedan exhibir sus grandes obras.

Como sabemos, los medios de comunicación siempre han sido muy poderosos, y la necesidad de los diseñadores de expandir sus diseños a nivel mundial, es enorme.

En 1672 aparece la primera revista con contenido de moda, Le Mercure Galant, fundada en el mismo año por Donneau de Vise, para proporcionar noticias parisinas y provinciales de la corte y la ciudad francesa. Pero es en 1797 cuando sale al público la primera revista ilustrada y especializada en moda, Le Journal des dammes et des modes. Para analizar mejor esta revista, es necesario situarnos en el contexto histórico que trae consigo sus inicios. En 1789 estalla en Francia la revolución francesa, que significó el quiebre más profundo en el poder absoluto de la monarquía, acompañado de la…

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La moda del siglo XX (IV): Década de los 30.

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Los años 30 son años marcados sobre todo por la crisis económica y la Gran depresión. Son años en los que Hollywood consolida su estatus de creador de tendencias, y son sus estrellas las que marcan los gustos estéticos de las mujeres de todo el mundo: cejas depiladas, pelo rubio y con ondas, cuerpos atléticos y delgados.

Se impone una silueta larga, el uso de colores oscuros, las mangas toman volumen y los nuevos estampados influenciados por los movimientos artísticos como el surrealismo o el dadaísmo, suponiendo en muchos aspectos verdaderas revoluciones estéticas, llegando incluso a las portadas de Vogue como la que encabeza el post creada por Salvador Dalí.

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Traje de Elsa Schiaparelli.

Pero también son años de pequeñas revoluciones. Empiezan a aparecer de forma tímida trajes con pantalones o el uso de prendas más habituales del vestuario masculino en la mujer, potenciado por el auge de los movimientos sufragistas que buscaban la igualdad, y aunque todavía era muy extraño ver a una mujer con pantalones, los trajes de chaqueta y falda sí se confeccionaban muchas veces con una visión mucho más cercana a la sastrería masculina y se empieza a generalizar el uso de la falda-pantalón.

Elsa Schiaparelli

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Nacida en Roma en 1890, en el seno de una familia rica que pretendía hacer de ella una buena señora ama de casa huye de esta vida al casarse en 1914 con Conde Wilhelm de Wendt de Kerlor en Londres para escándalo de su familia. Un matrimonio que dura muy poco (se separan en 1920 tras una hija en común) pero le permite en su paso por Nueva York y París adentrarse dentro del mundillo intelectual y artístico más vanguardista de la época.

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Primer gran éxito de Schiapirelli que dio paso a “pour le Sport”.

En 1927, ya en París y apadrinada por Paul Poiret lanza su primer gran éxito, un jersey de punto negro con una lazada blanca en trampantojo al cuello, que será el pistoletazo de salida a “pour le Sport” una colección en la que quiso recoger el espíritu cómodo y deportivo de las mujeres norteaméricanas que desubrió durante sus años neoyorkinos y que creó un concepto, el de la “ropa sport” que todavía hoy sigue vigente.Por supuesto esta colección fue un éxito tremendo en Estados Unidos y convirtió a las grandes de Hollywood de la época como Katharine Hepburn o Greta Garbo en clientas fieles.

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En 1934 se instala en el 21 de Place Vendôme y bautiza su tienda decorada por Jean Michel Franck y Salvardor Dalí como “Schiap Shop”. Son años de gran ebullición creativa: la manga pagoda, las prendas inspiradas por el surrealismo que le hacían separar los objetos cotidianos de su entorno habitual y que convertían a un zapato en un sombrero o a unos bolsillos en cajones, el descubrimiento de la cremallera como alternativa de cierre de las prendas que aplica en su famoso vestido esqueleto perteneciente a la mítica colección de 1938 inspirada en el circo (al igual que el vestido lágrima), el lanzamiento de su perfume Shocking! cuya botella estaba inspirada en el cuerpo de Mae West y que homenajearía Jean Paul Gaultier en su célebre Classique y sus colaboraciones con Dalí en el diseño de algunas prendas la convierten en la diseñadora de moda en París junto a Coco Chanel, con la que mantenía una profunda rivalidad a pesar de moverse prácticamente en los mismos ambientes.

Pero la II Guerra Mundial trunca esta triunfal carrera, y en 1939 huye a Estados Unidos para volver en 1945 y continuar diseñado hasta 1954. Durante esta segunda etapa Hubert de Givenchy trabaja varios años a sus órdenes.

Marcel Rochas

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Dos portadas de Vogue en los años 30, lo encumbraban como el diseñador para la juventud de la época ya que encajaba perfectamente en los intereses de la época: deportes, viajes y sobre todo cine. Nacido en 1902, Marcel Rochas comienza su carrera en 1925, y desde el principio se demuestra un enamorado de las formas femeninas. Lejos de las tendencias de la época sigue utilizando corsés y vestidos de corte sirena que acentúan las curvas de la mujer.

Como sus contemporáneos se vió influenciado por pintores como Éluard o Braque y también mostró interés por nuevos materiales, creando incluso uno para trajes de baño compuesto por celofán y latex en 1934.
Pero en 1955 muere y será su esposa Hélène la que continúe con la firma asentando el éxito sobre todo en sus perfumes, el gran valor de la marca.

Nina Ricci

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Abre su tienda en el número 20 de la Rue de Capucines en París en 1932 y al igual que hacía Vionnet solía trabajar sus diseños sobre maniquís. Siempre fiel a un estilo romántico, femenino y con gran devoción por las flores, sus diseños calaron muy pronto entre un público que deseaba una elegancia sencilla pero sin dejar de ser refinada.

Un espíritu que hoy Peter Copping, actual diseñador de la firma, ha sabido mantener.

Mainbocher

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Su nombre hoy ha caído en el olvido, pero en el momento fue uno de los hombre más poderosos de la moda. En 1929, este norteamericano abandona su puesto como editor jefe de Vogue Paris para cumplir su sueño de convertirse en modisto. Su estilo triunfa rápidamente, sobre todo al convertirse en el favorito de una compatriota suya, Wallis Simpson, considerada la mujer más elegante de la época y que lo eligió para confeccionar el vestido con el que se casaría con el Duque de Windsor, que puede verse sobre estas líneas, y que por desgracia los años han hecho que pierda su original tono azul, bautizado como “azul Wallis”.

Como todos en 1939 se vio golpeado por el inicio de la II Guerra Mundial, pero su colección de ese año presentó grandes novedades con respecto a la tendencia del momento: amplias faldas, cinturas de avispa,… abriendo camino a una tendencia que 10 años más tarde explotarían con el New Look de Dior.

La moda del siglo XX (III): Los “locos años 20”.

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Si hay algo icónico en los años 20 son las flappers. Pocas cosas pueden resumir tan perfectamente el espíritu de esos locos y supuestamente felices años como esas mujeres liberadas, que se enfrentan a todas las normas establecidas y piden el voto femenino, bailan jazz, beben licores, fuman con boquilla, conducen, se cortan el pelo en bobs o el incluso más atrevido “Eton Crop” que se puede apreciar en el dibujo de Eduardo Benito, un dibujante español que triunfó en revistas comoVogue o Vanity Fair en esos años.

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El cine ha sido donde mejor han sido reflejadas y su estética está íntimamente ligada a Clara Bow, Louise Brooks o Dorothy Mackaill, y ha sido el séptimo arte junto con la moda la que nos la ha vuelto a traer esta estética a nuestros días, con películas como The Artist que arrasó en los últimos Oscar, o en “Midnight in Paris“ donde Woody Allen convierte a Marion Cotillard en una de ellas y en la que también aparecen como personajes Zelda y F. Scott Fitzgerald, autor de la novela que mejor refleja esos años “El gran Gatsby“, que ha sido adaptada cuatro veces al cine (la más popular hasta el momento la versión protagonizada por Robert Redford y Mia Farrow) y que pronto volverá a estar en las pantallas de todo el mundo en la versión de Baz Luhrman con Carey Mulligan,Leonardo DiCaprio y la top model Gemma Ward.

Coco Chanel

Coco

Resulta curioso que muchos de los gustos estéticos preferidos de Gabrielle “Coco” Chanel sigan siendo los que hoy siguen dominando: mujeres altas y delgadas, de piel morena, el uso de prendas sport y de influencia masculina, la influencia marinera, los trajes como prendas elegantes o la bisuteria como sustituto perfectamente aceptable de las joyas.

Nacida en 1883 en una familia de pocos recursos, se cría en un orfanato y es allí con las monjas donde aprende a coser y son ellas las que con 17 años le consiguen un trabajo como costurera, que pronto abandona para dedicarse al mundo del cabaret. En este mundo se relaciona con muchos hombres adinerados y será uno de sus amantes el que financie su primera tiendauna sombrerería que abre en París en 1909 que rápidamente extenderá a otras ciudades costeras francesas.

Y mientras alternaba amantes ricos (se la llega a realacionar incluso con el Duque de Windsor) y mentiras sobre su vida, en 1910 abre por fin su casa de modas en el 21 de la Rue Cambon de Paris, que en pocos años ocupará también los números 27, 29 y 31. A partir de aquí todo son éxitos: en 1921 crea el perfume Nº 5, en 1927 su famoso vestido negro, la generalización del punto, pero en los años 30 (y posteriores) según aumenta su fama y su éxito pierde le aura de innovadora y creadora de tendencias frente a diseñadoras como Elsa Schiaparelli, fuertemente vinculada a las vanguardias artísticas, y mucho más atrevida que ella.

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Su prenda estrella en Estados Unidos: El traje de tweed.

La II Guerra Mundial la obliga a cerrar sus tiendas y los años de ocupación nazi, junto con su romance con un oficial alemán así como las acusaciones de haber sido una espía nazi la obligan a exiliarse en 1945 a Suiza. En 1954 regresa a París siguiendo el consejo de la directora de Harper’s Bazaar Carmel Snow y reabre su negocio. En Francia no es muy bien recibido su regreso, ya que no habían olvidado su comportamiento, y la prensa de moda en Gran Bretaña critican su inmovilismo pero triunfa en Estados Unidos con su pieza estrella estos años: el traje de tweed. Los 17 años siguientes, en los que trabajó incansablemente hasta su muerte a los 87 años, terminarían por darle la razón a Coco y en la actualidad las creaciones de ambas etapas son fuente continua de inspiración en la moda actual.

El vestido negro

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Una de las tradiciones más antiguas en cuanto a la vestimenta es la de asociar el color negro al luto, costumbre que está documentada se practica desde el Imperio Romano. Por eso no es de extrañar que en un encuentro casual en París el diseñador Paul Poiret le preguntase a Coco Chanel por quién lo llevaba al verla vestida con un vestido negro. “Por usted” fue la respuesta. Y es que una de las mayores revoluciones de Chanel fue romper este vínculo e introducir ese color en la vida de la mujer como sinónimo de elegancia.

Y es que el Petite Robe Noir (PRB), el Little Black Dress (LBD) o simplemente el vestido negro que revolucionó la moda en 1926 y que fue calificado como “el modelo Ford T de Chanel“ o como eluniforme de la mujer moderna tras ser publicado en Vogue (el dibujo del vestido que se publicó era muy similar al del centro de la foto).

Desde ese día, en ningún momento ha perdido vigencia. En realidad el negro es el básico por el que cada año se miden el resto de los colores llegando a oirse eso de que “el negro es el nuevo negro“.

La moda del siglo XX (II): Década 10.

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Los años que preceden a las revoluciones son en ocasiones tan interesantes como los que cambian la historia. Y aunque el mayor cambio de la primera mitad del siglo XX se produjo en los años 20,la década anterior puso las bases que harían posible que la moda entrase en la verdadera modernidad y la libertad de la mujer, en todos los aspectos, pasase a ser la verdadera protagonista.

La moda década comienza fuertemente influida por el Ballet Ruso y por la estética orientalista. Mata Hari e Isadora Duncan muestran más piel que la que tapan con tela y las mujeres comienzan a acortar faldas hasta mostrar los tobillos y lucen escotes. Pero la I Guerra Mundial todo lo cambia y la silueta que domina la tendencia en 1918 es en forma de tubo, en la que el pecho debe ser disimulado lo más posible, y en la que la mujer que se había liberado del “corsé clásico” pasa a someterse al “corsé alisador” o lo que hoy llamaríamos sujetador.

Madeleine Vionnet

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Es muy fácil poner la etiqueta de pionero y no todos los que han sido calificados como tales lo han sido. Pero ese no es el caso de Madeleine Vionnet. Lo fue en muchísimos campos tras crear en 1912 su casa de costura tras abandonar Doucet, marca a la que había llegado con el encargo de rejuvenecerla: fue la primera en utilizar el corte al bies en todo un vestido, que suponía utilizar más tela pero también cambiar por completo la caída de la prenda, y en intentar disimular y esconder las costuras de las prendas, fue la primera en preocuparse por la copia de sus creaciones y realizaba unregistro con tres fotografías (de frente, de espalda y de perfil) de todas sus creaciones para llevarlos a la oficina de patentes, creaba sus modelos en un figurín de 80 cm de altura para que sus clientas pudiesen ver como sería el acabado de la prenda.

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Fue la primera diseñadora en utilizar conceptos matemáticos y arquitectónicos como la sección áurea ya que para ella lo más importante era la proporción, y también abrió el camino a los tejidos sintéticos al utilizar un crespón compuesto de seda y acetato que su proveedor de telas fabricó en exclusiva para ella.
Pero también innovó en algo tan contrevertido hoy en día como los derechos de sus empleadas, dándoles unas condiciones laborales dignas, vacaciones pagadas y seguros por enfermedad mucho antes de que fuesen obligatorios.

Aunque su principal aportación fue la de poner las bases para la producción en cadena de su ropa, que más tarde se convertiría en el prêt-à-porter y sin el que hoy no se entendería la moda. Su influencia en las posteriores generaciones de diseñadores ha sido continua y probablemente no desaparecerá jamás.

Jean Patou

JeanAl igual que VionnetPatou abre su casa de costura en 1912. Provenía de una familia dedicada al cuero y la pieles pero su salto a la fama vendría de dos campos todavía por explotar: el de la ropa sport y el de unir el nombre de una marca de ropa a celebridades.

Algo que hizo fundamentalmente con Suzanne Lenglen, una jugadora de tenis francesa que fue la primera estrella femenina de ese deporte y que además de hacerse famosa por sus victorias también lo hizo por aparecer en la pista de Wimbledon con una vestido de punto que dejaba ver sus brazos y sus piernas (a diferencia de las demás jugadoras que iban tapadas de pies a cabeza).

Su uso del punto abrió el camino a Coco Chanel  y fue el primero en diseñar corbatas “de diseñador”. Se le considera el creador del cardigan, se dejó influenciar en su trabajo por movimientos artísticos como el Cubismo, desarrolló nuevos tejidos para los trajes de baño y creo líneas exclusivas para la práctica del deporte,… Incluso algunos le atribuyen la creación de la estética “flapper” que sería icónica en los años 20.

Un absoluto pionero.

Downton Abbey

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Y una recomendación para finalizar. Una buena manera de ver la evolución de la moda en esta década es ver “Downton Abbey” una serie inglesa que se inicia con el hundimiento del Titanic  y que ya tiene fascinados a Vogue América , en la que se puede ver la evolución de las tendencias en estos años.

La moda del siglo XX (I): Primeros años.

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Durante el siglo XX el mundo cambió por completo. Y la moda no fue ninguna excepción y evolucionó a la misma velocidad que lo hacía la sociedad e incluso en algunos aspectos fue capaz de adelantarse a esos cambios. Está claro que la moda no empezó en 1900 pero hacer un repaso de las 10 décadas del siglo XX puede dar una visión bastante aproximada de las tendencias que tarde o temprano llegarán o de las que acabamos de abandonar.

En 1900 en la Exposición Universal de París, se crea el llamado Pavillon de l’Elégance, en la que seleccionados por Jeanne Paquin, la creadora de los famosísimos vestidos imperio y del abrigo quimono y cuya carrera se vio ensombrecida por el hecho de ser mujer, presentan sus prendas los más importantes modistos de la época entre los que se encuentran Doucet, del que hoy por hoy sus vestidos no son recordados pero su nombre nunca se olvidará porque fue el descubridor de los diseñadores que cambiaron la moda de estos años: Paul Poiret y Madeleine Vionnet, y Worth, un inglés que revolucionó el mundo de la moda al firmar sus prendas como hacían los pintores, ypara el que se creó el término de “Alta Costura” para designar el lujo y detalle de sus modelos.

Estos son los años de la Belle Epoque, de la silueta en S que se conseguía con rígidos corsés que estrechaban la cintura al tiempo que destacaban pechos y caderas, y que destacaban especialmente con faldas hasta el suelo que se ensanchaban creando una silueta sirena.

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Pero la verdadera revolución de la esta década es el abandono del corsé, lo que liberaría a la mujer cambiando por completo su relación con su propio cuerpo y con la moda.

Paul Poiret

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El hombre que liberó a la mujer del corsé aprendió el oficio de los dos grandes de la época, Doucet(dicen que fue despedido de esta casa por un comentario ofensivo a Sarah Bernhardt) y Worth, pero fue también un visionario al darse cuenta de que una “it girl” es la mejor publicidad que un diseñador puede tener, y la actriz Réjane, hoy olvidada, fue su mejor baza junto con el vestido “La Vague”, entallado en el pecho y recto hasta los pies, que favorecía al tipo de mujer que a él le gustaba: delgada como su mujer Denise. También fue el impulsor de las medias transparentes que creaban la ilusión de unas piernas desnudas, algo revolucionario para la moral de la época.

Pero su decadencia comenzó cuando tuvo que luchar en la I Guerra Mundial y al volver del frente no supo adaptarse a lo que deseaban las mujeres del momento, lo que le llevó a la ruina en pocos años.

Mariano Fortuny

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Muchos en la época no lo consideraban un auténtico diseñador. Ni él mismo se consideraba como tal. Hoy, en el que cualquier cantante con dos canciones en el top 10 o una actriz con ínfulas de Coco Chanel recibe ese apelativo, es de justicia considerarlo uno de los grandes. Y es que el granadino Fortuny es el inventor del vestido que marcó la década: el Delfos. Creado en 1907 y patentado en 1909, se inspira en chitones griegos, y de una sencillez extrema, la tela plisada cae desde los hombros hasta los pies sin costuras ni rellenos de ningún tipo. Y por supuesto sin corsé.

Su otra prenda mítica es el chal Knossos, una pieza de seda plisada con un método secreto que a día de hoy no se ha conseguido descifrar.

Jeanne Lanvin

14La historia de Jeanne Lanvin es la típica de la época: primero chica de los recados, luego costurera, después modista y con 18 monta su propia sombrerería. Sí, con 18. Porque empieza con tan solo 13 años. Pero no fue hasta que tuvo a su hija Margarite cuando su carrera dio un vuelcoal empezar a diseñar para niñas en 1903 y cambiar la paleta de colores habitual por una mucho más alegre, entre los que destaca el azul Lanvin. El éxito es arrollador y le lleva a crear una línea para mujer en 1909 y algo completamente revolucionario para la época: una línea joven, pero siempre manteniendo un estilo muy femenino.

También fue la primera casa, en 1926, en crear una línea específica para hombre.

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Su prenda estrella: “Les Robes de Style”

Su prenda estrella serán los llamados “Robes de Style” vestidos hasta los tobillos en tejidos vaporosos que se ajustaban a la parte superior del cuerpo, prenda que sigue siendo la marca de la casa. Y es que tras pasar por muchas vicisitudes, Lanvin es la única marca de las nombradas en el post que sobrevive.
Y es que 100 años son muchos años.

Una aproximación a la historia de The Bible Of Fashion

De ninguna manera Arthur Baldwin Turnure habría imaginado que su pequeña revista VOGUE se convertiría en todo un referente en moda y lifestyle.

Diciembre de 1892. La primera edición de VOGUE sale a la venta en Estados Unidos.

Diciembre de 1892. La primera edición de VOGUE sale a la venta en Estados Unidos.

Su primer número data de diciembre de 1892. Baldwin, su fundador, contrató y puso en manos de la que sería su editora jefe hasta 1901, Josephie Redding, el nombre y la primera edición de esta publicación semanal, en un principio sobre moda, etiqueta, deportes, e incluso animales, que sería reconocida como la Biblia de la moda años después.

Con su muerte, en 1909, la revista pasó a manos de la editorial Conde Nast Publications, Inc. -creada en 1908, cuya sede principal sigue estando en la ciudad de Nueva York-. Se trató de la primera publicación estadounidense que logró conquistar Europa: en Gran Bretaña comenzó a publicarse en 1916 y en Francia en 1924 -hoy se edita en más de veinte países: Italia, Francia, Inglaterra, España, Australia, Brasil, China, Alemania, Grecia, India, Japón, Corea, México, Portugal, Rusia…-.

Enero, 1919. "Art decó" en portada.

Enero de 1919. El “Art decó” llega a las portadas de VOGUE.

En los albores del siglo XX, en las portadas de Vogue no  había fotografías, pero sí magníficas ilustraciones, muchas de ellas impregnadas del vanguardista “art decó” de los años 20.

Ya en los años 60, la edición norteamericana había superado la Depresión y la II Guerra Mundial gracias al saber hacer del antiguo editor de Vanity Fair, Frank Crowninshield

En esta época fue, la considerada como una de las grandes gurús de la historia de la moda, Diana Vreeland, la que recogió el testigo como redactora jefe de la publicación dándole un giro al apelar a la revolución sexual que se vivió en los 60, e invitando a personalidades tan representativas como el polémico Warhol -artista y cineasta estadounidense, crucial en el desarrollo del pop art- o el fotógrafo Irving Penn, a que apareciesen o colaborasen en la misma.

Diana Vreeland, gurú de la moda.

Diana Vreeland, gurú de la moda, detentó el cargo de editora jefe desde 1963 hasta 1971.

En 1973, la edición americana de Vogue pasaba a ser mensual a cargo de su nueva editora, Grace Mirabella, que dejó su puesto en el 1988 -justo cuando comenzó a publicarse Vogue España- en manos de la temida y admirada Anna Wintour, que lleva siendo su editora desde entonces, y que ya lucía a finales de los 80 el mismo look de corte bob y gafas de sol que sigue llevando en la actualidad.

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Anna Wintour, de 63 años, lleva siendo redactora jefe de VOGUE desde 1988.

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Wintour apostó por sesiones al aire libre, donde se mostrará el cuerpo de las modelos.

 En la etapa de Mirabella, Vogue estuvo más orientada hacia estilos de vida que hacia la moda. Cuando Wintour tomó las riendas de la publicación este ámbito cobró sumo protagonismo. Una de los cambios que hizo fue el de las fotografías de la portada, ya que mientras Mirabella mostraba los rostros de modelos reconocidas, las portadas de Anna pasaron a mostrar más el cuerpo, además de fotos tomadas en exteriores -con luz natural, en vez de hacerlas en estudios-. Además, hizo producciones con modelos poco conocidas y en sus portadas empezaron a aparecer celebridades del espectáculo -como Nicole Kidman, Charlize Theron, Angelina Jolie, Melania Trump, Kate Winslet, Hillary Clinton, etc.-. Asimismo, se encargó de que los fotógrafos, maquilladores y estilistas tuvieran la misma importancia en las imágenes que las modelos. Otra cosa destacable del trabajo de Wintour es que el éxito que logró al expandir la marca Vogue –desarrolló la creación deTeen Vogue, Vogue Living y Men’s Vogue- le hizo obtener el título de Editora del año por la revista AdAge.

En la revista, moda, fotografía, diseño y arte convergen de forma magistral; ofrece producciones fotográficas de las marcas tan importantes como Dior, Chanel, Gucci o D&G, así como reportajes sobre las últimas tendencias o acerca de las nuevas promesas en la moda, jóvenes diseñadores de moda como Julien Fornié, Ricardo Tisci u Olivier Theyskens. Además, trabaja con las modelos más importantes del mundo, como Gisele Bündchen, Kate Moss, Naomi Campbell -fue la primera modelo negra en posar en la portada de esta publicación-, entre muchas otras. Asimismo, y quizás lo que la hace la más prestigiosa es que cuenta con la colaboración de los más reconocidos escritores, fotógrafos, diseñadores e ilustradores internacionales -los mejores de todas las épocas han trabajo en las portadas dejando cada uno verdaderas obras de arte-, entre ellos el español Jordi Labanda.

Septiembre de 2007. La publicación mas extensa de la historia de Vogue.

Septiembre de 2007. La publicación mas extensa de la historia de Vogue.

Las edición de cada septiembre acostumbra a ser la más elaborada, en término de páginas, del año. Vogue se superó en 2007, con una publicación de 840 páginas de “fearless fashion”. El boom mediático fue aún mayor debido a la película documental The September Issue que se estrenó dos años después a razón de la macropublicación. La actriz británica Sienna Miller fue la elegida para la portada y sesión de fotos editorial, la cual fue producida en Roma con temática de paparazzis y glamour italiano.

Sienna Miller fue la elegida para la portada en una sesión de fotos

Sienna Miller fue la elegida para la portada en una sesión de fotos producida en Roma.